Le duo M&M et Dominique Vellard jouent de la musique de la Renaissance française, italienne et espagnole, et de la musique baroque française et italienne précoce.
Dans les programmes des chansons se relaient avec des œuvres purement instrumentales qui sont spécialement traitées par les deux joueurs de luth et qui ajoute au programme une diversité rythmique, tonal et stylistique.
L’auzel ques sul bouyssou
Entre la fin du XVè siècle et le début du XVIè, fleurit en Italie le genre de la « Frottola », composition normalement à 4 voix, dérivée du genre littéraire homonyme, d'origine populaire, dont le thème est principalement amoureux. La structure de la frottola est plutôt homorythmique –les voix bougent ensemble– et consiste en l'alternance de strophes et d'un refrain. Son caractère populaire a contribué à sa diffusion également sous forme d'une simple mélodie accompagnée au luth pour lequel ont été transcrites les voix basses. Parmi les compositeurs de frottole de cette époque, nous retenons les noms de Marchetto Cara et Bartolomeo Tromboncino, tous deux exerçant à Mantoue, principal centre de diffusion de ce genre.
Verdelotto –Philippe Verdelot, français exilé en Italie au début du XVIè siècle– fut un compositeur prolixe de madrigaux ; leurs principales caractéristiques sont l'attention méticuleuse portée au texte et la richesse de l'écriture contrapuntique. A la différence des frottole, les madrigaux présentent une structure plus complexe, librement inspirée de la métrique et du contenu narratif ; dans ce cas également, selon la tradition de l'époque, ses madrigaux ont également survécu sous la forme de chant accompagné au luth.
Les « Airs de cour » représentent un genre qui s'est diffusé en France au XVIè et au XVIIè siècles, principalement pour une voix accompagnée au luth ou à la guitare, instrument qui jouissait d'un grand intérêt et de la faveur du souverain lui-même.
Nicolas Vallet fut un des luthistes français les plus appréciés en France et en Europe, il était également un maître à danser très apprécié. Il a laissé un recueil de musique sous le titre « Secretum Musarum », riche de musiques de danses et contenant également de la musique pour quatre luths.
Le luth occupe une place de choix dans la culture renaissante italienne et européenne et nous avons conservé une vaste littérature tant soliste que de musique de chambre. Un des genres de prédilection est le duo de luths pour lequel il nous reste de très belles compositions. La réputation de Francesco Canova da Milano, dit « le Divin » est encore vivante plusieurs siècles après sa mort, il fut actif en Italie et probablement à Paris, il nous a laissé un vaste répertoire pour soliste et deux duos d'une rare beauté. De Janambrosio Dalza ne nous est parvenue qu'une collection de compositions (1508) contenant des « ricercari » dans un style improvisé, et de la musique de danse très virtuose. Un siècle plus tard, Giovanni Antonio Terzi consacre également une part de son talent à la composition de duos pour luths, dérivés de compositions vocales, ces pièces font montre d'une grande virtuosité instrumentale et explorent toutes les possibilités mélodiques.
De la musique espagnole pour la guitare ne nous sont parvenues souvent que de simples mélodies notées en tablature, ou des succession d'accords. Ce peu d'informations laissait alors au musicien, comme de nos jours, la liberté de recréer et d'arranger ces pièces, proposant des variations sur ces airs populaires.
Parmi les possibilités qui s'offrent à nous, il est intéressant de proposer à nouveau cette musique à deux instruments.
Lasso ch’i ’ardo
Monodia et virtuosité instrumentale italienne
Au début du 17ième Siècle, s'est imposée un nouveau type d'expérience musicale. L'intérêt pour les effets sonores dans les grandes salles, comme dans la cathédrale de Venise et de Rome, à augmenter, et motivé les compositeurs à expérimenter et à tracer de nouveaux chemins. De plus en plus, on a choisi le terme «Nuove Musiche» en rapport avec des publications musicales de l'époque, afin de sauter de la distance à des modèles de musique de la Renaissance. La "nouvelle musique" a été harmonieusement audacieux et moins «prévisibles», en conséquence provocateur, et toujours délibérément contre les règles de composition de la Renaissance.
Arias et madrigaux par des compositeurs comme Giulio Caccini (Le Nuove Musiche), Jacopo Peri (Le Musiche varie), Girolamo Frescobaldi et Claudio Monteverdi sont des exemples de morceaux de «Nuove Musiche» qui sont jouées dans ce programme ; les morceaux sont combinés avec les « Toccata » et « Balli » par Girolamo Kapsberger et Alessandro Piccinini, des grands compositeurs pour luth et théorbe du baroque italien précoce. Leur musique est caractéristique pour une grande virtuosité, le rythme, la liberté et les différences de couleur.
Une autre partie du programme est constitué par des motets et des compositions d’un caractère spirituel de C. Monteverdi - Ghirlanda sacra (1625), A. Grandi (1637) et G.F. Sances (1638).
Dans le 15ième et 16ième siècle le motet perd sa structure de texte multiples et se modifie dans une composition uniforme, avec seulement un texte, et sans le "cantus firmus". Cela crée de la classe pour voix solo et accompagnement instrumental.
Ce programme se complète par une première partie de musique de la Renaissance italienne, qui comprends « frottole » et « Madrigali » (Cara, Tromboncino), des danses et des compositions instrumentales (Calata, Saltarello e Piva).
Amor sacro, amor profano
« Villancicos », Psaumes et d'autres compositions de la Renaissance espagnole et française
Le programme s'articule autour de la comparaison entre l'amour sacré et profane de la culture de la Renaissance espagnole et française. Elle inclut des œuvres de « Cancionero de Palacio », d’un manuscrit espagnol, compilé durant une période d'environnement 40 ans à partir du dernier tiers du 15ième jusqu'au début du 16ième Siècle. Les pièces abordent des thèmes tels que les aventures galantes, la religiosité, les festivités, la chevalerie, la satire, pastorale, la burlesque, politique, histoire, etc, et s'expriment dans des compositions simples d’un caractère populaire jusqu’à des œuvres plus évolués. La forme musicale principale est le "Villancico" pour voix et accompagnement ou la forme de la chanson pour trois ou quatre voix d'origine populaire, un genre qu’on trouve aussi chez Luys de Milan dans Libro de música de vihuela de mano intitulado El Maestro (1536). Genres semblables se retrouvent également dans les Canciones y Villanescas espirituales de Francisco Guerrero, un contemporain de Milán. Dans le 16ième Siècle Pierre Attaignant (1494? -1551?) a publié en France le premier livre de cantiques polyphoniques français (chanson parisien / Air de Cour), un genre qui a été inventé par les compositeur Claude Sermisy, Jacques Arcadelt et Adrian Le Roy. Surtout en France, le thème des amours devient de plus en plus populaire dans les chansons de sorte que bientôt ils apparus aussi accompagnés d'instruments à cordes pincées comme la guitare ou luth. En comparaison avec les aventures galantes dans les chansons, les Psaumes transmettent d’un nature simple et « intime » le message musicale, religieuse et spirituel. La distribution de ces œuvres a également conduit à l'émergence de nombreuses pièces instrumentales et de la même en combinaison avec chant, que l'on trouve dans les publications de Guillaume Morlay.
